crismateo

España en modo "App Error 606"

2011-07-31T04:07:00.000-07:00

Fin de semana de salida, se anuncian resultados de encuestas y elecciones anticipadas, pero todos ya estamos con la fiambrera hecha, los niños gestionados y el cerebro en modo pausezzzz. Tanto que somos capaces de creernos que tenemos derecho a irnos, a apearnos por un tiempo de la preocupación, del miedo. A aceptar que los TT se vuelvan un baile de high and low: #20N o #metiroalsuelocomosonia, más low que nunca. A medio apasionarnos por los debates sobre suegras, y en definitiva a aceptar el modo safe, como los smartphones.

El mío dice que él también tiene derecho a su fiesta. Y yo, "pero si todo está mal!".
Da igual, él reacciona drásticamente, me dice que segurola como es, también él se me va a poner en modo "safe" y me planta un "App Error 606". Me convence. Yo también modo safe. Adios, me voy, be safe!!

http://twitter.com/crismateo

España marca y aprieta!

2011-03-18T06:46:00.000-07:00

Nace un nuevo grupo de presión en pro de la competitividad de nuestro país, y de la mejora de su imagen-país: El Consejo Empresarial para la Competitividad: http://www.rtve.es/alacarta/videos/telediario/reunion-de-empresarios-para-mejorar-la-marca-espana/1025983/

y en paralelo, se publican artículos como "Geoeconomía y cultura de Estado" en el País del 17 de Marzo: http://www.elpais.com/articulo/opinion/Geoeconomia/cultura/Estado/elpepiopi/20110317elpepiopi_4/Tes?print=1 desde donde se arenga a que España resurja de sus apagadas cenizas y se dote de una nueva visibilidad global, y se convierta cual pérfida albión en hub cultural entre América del Norte y la Commonwealth.

Pero, ¿puede España jugar un rol como encrucijada cultural y enlace estratégico entre Europa, América y el Mediterráneo, de la mano de Iberoamérica, y el idioma español, así como de un desarrollo de infraestructuras avanzado, sin la ayuda de Iberoamérica?

Su autor Jose María Lassalle, alaba las 3 T´s de todo territorio competitivo del siglo XXI, acuñadas por Richard Florida, pero en eso, ya está otra Florida, con su capital Miami, llevándonos la delantera.

En cualquier caso, hay que despertar, y como ya lo decía la canción de un olvidado icono pop británico, de América del Norte y la Commonwealth, llamado Blondie:

"Hurry up, hurry up hurry up",

Pues eso, que hay que hacer algo, y darse prisa ya!!!

Finn Air, la aerolínea de Papá Noel...

2009-01-07T09:43:00.000-08:00

El tiempo aire no es tiempo, una, acostumbrada a la duermevela, surca el plano temporal de esa guisa.

Algún café, algún email más desaforado que de costumbre al desaparecer el marco confort que protege a uno... lo que pasaría (tal vez el mejor escenario posible) si uno muriese... pero no, vuelo a Helsinki y nunca he estado allí, ¿qué me contará su aeropuerto? ¿nada? ¿Pasaré de un no tiempo a un no lugar? Ahora sobrevolamos el Báltico, nunca he estado allí abajo, me imagino en caída libre, bueno, siempre me lo imagino.

Otra diagonal, ésta la que plasma el vuelo implcable, sin interrupciones, Finn Air... marca embajadora???

Los Serrano con subtítulos believe or not, Mari, en Helsinki airport. La gente aquí tiene apellidos de más de 20 sílabas, Vilatakamortek y cosas así. Me abren una puerta que ni había visto, debe ser como una metáfora vital. Está todo lleno, transito entre pasillos plagados, gente llena de ropa de abrigo, no wonder! Y afuera negro y blanco, la nieve y la noche...Hay abetos de Christmas en la decoración interior, y el propio Father lleva un reno con cuernos, que es una rubia jovencita, la peña se hace fotos, no sólo niños, también adultos, sheiks con turbantes vestidos de gris, en un juego cromático efecto shock. Muchos niños, sociedad que concilia? Seguro que sí!

Observo a los primeros chinos, aquí imagino sus historias, back in MAD, los imagino domésticos y no me esfuerzo. Estos son todos niños, y se quieren, algunos, y se ríen todos, Muchos tienen gafas, y hay un montón de chicas. Es Navidad desde ya ni me acuerdo, y quiero que se acabe ya!

Hollywood, caballero oscuro y marca-país

2008-08-19T03:08:00.000-07:00

Carta al amigo que no ve blockbusters:

Hallo my dearest,

Imagino que aún no has visto ese Batman, Dark Knight, caballero Oscuro? Sí el que cuando no está haciendo anuncios de Armani, está desentrañando dónde residen las fuerzas oscuras...te diré que lo veas, porque como en todo hay mucha marca país! Marca país hecha con residuos de antiguas xenofobias, que se olfatean por toda la peli. Los anglos buenos, los extranjeros afincados pero no WASPS (namely, de Europa del Este e hispanos), y los nuevos malos malos, peores casi que la ya consabida mafia, los chinos!!

Para empezar está el hombre-héroe, el bueno que no puede dejar de serlo, nunca... y ya se sabe éste, Christopher Bale, es británico aunque disimule su acento.

Como en los cásicos griegos, su mentor, Michael Caine, es británico también, y éste además ni disimula su acento!

Y luego están los malos, hoy en día traidores, los que desencadenan el drama. Dos polis que se venden, ¿quiénes dices? Wurtz y Ramírez... No precisamente anglos, eh?

... Luego hay un chino tecnificado de Hong Kong, sin honor, cool y todo eso sí, pero traidor, anyhow!

Y en esta línea hay más, está la frase triunfante de Harvey Dent (Super WASP, aunque ya se verá...) cuando la pistola que porta uno de los mafiosos, se le atasca:

"Made in China.
Next time, buy American"

Vamos, que los chinos y sus imitiaciones por una parte, y su tecnificación y malas artes por otra, sospechosamente se plantean tan peligrosos como la mafia, a quien controlan...

Anda, dear, vete a verla y me cuentas!

Yours transgénicamente,

Calor perruno, día 3

2008-08-19T03:04:00.000-07:00

Quién me iba a decir que acabaría parapeteada por muros y persianas, ventiladores y air con, con miedo a una luz que arranca pieles. Demasiado verano así. Todo mucho, cansa, y ya no me acuerdo ni de cómo es el frío, y eso que apenas hace una semana allí en la montaña de Heidi (imágenes adjuntas para navegantes) a menos dos, me quejaba! La montaña ésa por la que tantos golpes me dí con mi girlie tablita grafiteada de snowboard!

Un verano lleno de noticias dicen y periódicos vacíos, no sé, hay algo que no es como me dicen, a mí también.

Ha nacido la sobrina 2, niña, se llama Muriel, y una se pregunta si llegará a ver la boda de. Sí, el pop, nos hace mucho daño!

Lecturas entre gripe de verano, las mujeres inglesas destrozan los tacones al andar! y algo más sesudo de estrategias de city marketing, branding o qué se yo! La tele de pago con Dexter etc. se repite y en la gratuita las series hispanas inlcuyen en el título partes del cuerpo, son como Dexter pero al revés. Agua atlántica en los pies es lo que tiene, aunque siempre hay una coquina ilegal de más...a la que también se puede culpar.

Me voy de la ciudad ciencia ficción, y huyo al verde y a la fiesta popular. Ahora Madrid está tomada por aliens, y sólo los locos y los turistas y los que no tienen más remedio, pronto yo también, se arrastran esquivando bolas de fuego, hasta encontar un Zara.

De momento, Adios. Nos vemos pronto!

Marcas comerciales ¿de dónde venís?

2008-01-28T14:59:00.000-08:00

Pepe Jeans London, Custo Barcelona o Evian-les-Bains, ciudad marca registrada que da nombre al agua Evian, son algunos ejemplos de cómo las marcas comerciales se apoyan en lugares y cómo éstos, a su vez, se pueden apoyar en las marcas para ser más competitivos. Es una relación bidireccional que Gildo Seisdedos, profesor del Instituto de Empresa, y yo, Cristina Mateo, consultora del Ayuntamiento de Madrid, hemos estudiado con el objetivo de contribuir a una exitosa gestión de las marcas comerciales y lugares en un mercado global.

Para ello, hemos considerado unas 3.000 marcas procedentes de más de cincuenta países que aparecen en los informes de Interbrand, consultora internacional líder en el desarrollo de marcas, y han estudiado casi cien casos de marcas.

En esta fase inicial de la investigación, tal ycomo se explica en Universia-Knowledge@Wharton hemos “desarrollado un planteamiento metodológico ilustrado en una matriz que relaciona, por una parte, la intensidad del uso del lugar- en el eje horizontal del gráfico- y el alcance que tiene esa marca en el mercado-, en el eje vertical. Porque, de esta manera, “podemos plantear cuatro cuadrantes que ubican muy bien, sobre todo, a las marcas globales”.

Leer más: http://wharton.universia.net/index.cfm?fa=viewArticle&id=1464

Estrategias para una buena experiencia urbana, ¿Cómo posicionar una ciudad?

2007-12-03T02:21:00.000-08:00

Pasearse por el mundo global implica toparse con un exceso de información, ante el que necesitamos ayuda para elegir bien, y las marcas cumplen ese rol al jugar un papel simplificador. En el ámbito de la gestión urbana esto es gestionado por lo que se llama city marketing, entendido no sólo como promoción de la ciudad, si no como visión estratégica de la misma.
Gestionar la percepción que se tiene de una ciudad, implica ayudar a incrementar el turismo y comercio, atraer inversiones y aumentar su visibilidad, pero además permitir que tanto visitantes como residentes interactúen de una manera positiva con el entorno urbano (plano real), y que se perciba como tal. Algo para lo que es preciso una estrategia de posicionamiento.
En este sentido, el marketing de ciudad y el de servicios o productos actúan de la misma forma, gestionando la relación que las marcas tienen con el público objetivo para posicionarse claramente ante quiénes nos dirigimos, algo también entendido como city branding.

Un city marketing y posicionamiento para destinos de gran notoriedad de marca
Un mismo destino no significa lo mismo para todo el público objetivo, factores como la geopolítica, la distancia y la proximidad cultural, hacen que el grado de conocimiento y por tanto de complejidad de una marca-ciudad para un determinado público target sea una u otra. Algo que está en constante evolución.
Lo principal en destinos como Londres, con una diversidad y elasticidad de atributos, es preservar lo que ya tienen consolidado.
Así para sudafricanos y australianos, Londres es una puerta al mundo profesional, la gran oportunidad, mientras que para los españoles de los años 70 y 80 fue en su momento una fuente de inspiración radical, y ahora, una cita cultural reiterada, gracias entre otras cosas al advenimiento de las aerolíneas de bajo coste.

Según el índice de ciudades de Anholt, del año 2006 Londres es la segunda mejor marca ciudad del mundo tras Sydney (en el 2005 Londres fue la primera). En general, los encuestados consideraron que Londres era un lugar ideal para los estudios universitarios, la búsqueda de empleo, y la realización de negocios. Pero lo más importante, todos consideraron que era la ciudad más conocida entre las comparadas.

Lo principal en destinos como Londres, con una diversidad y elasticidad de atributos, es preservar lo que ya tienen consolidado. En el caso de Londres, ser un destino ideal para el desarrollo profesional, la tendencia, la vanguardia, y en definitiva, las oportunidades y la innovación. Así organismos encargados de la gestión de la marca ciudad deberían trabajar por una parte tematizando el destino en base a los atributos anteriores, y articulándolo por otra, mediante temas de interés general como por ejemplo: música, cine-literatura, deporte-fútbol, moda-compras, y estudios.En este sentido, véase la página web que se hizo desde VisitBritain con la discográfica EMI, y la cantante pop Lily Allen, originaria de Londres, para promocionar a Londres como la fuente de inspiración de la artista, y a la vez conseguir que el público adolescente se desplazase hasta Londres para ver los conciertos y festivales de verano: http://www.visitbritain.es

Uso de la marca ciudad por marcas comerciales
Para que un branding de destino sea efectivo es clave la asociación de la organización gestora con empresas comerciales que ya explotan los atributos de ese destino. Volviendo al caso de Londres, obsérvese algunos ejemplos de cómo marcas de consumo archiconocidas lo utilizan para apropiarse de los valores que el destino representa: “Rimmel, London”; “Pepe Jeans London”; “Beefeater, London”. Es decir, usando el apelativo marca-ciudad, para asociarse a los atributos positivos que representa esa ciudad, en un tandem potencialmente beneficioso para tanto la organización gestora, como la marca comercial, pero del que no siempre los primeros son conscientes, y por tanto capaces de aprovechar tal oportunidad.

Así, una marca como “Beefeater, London” promueve el destino Londres porque la marca London aparece en el claim, pero además porque traslada aspectos de vanguardia inherentes a la marca ciudad mediante un intento de londonizar a los españoles al recrear aspectos de esa vanguardia londinense como son los desfiles de moda, las carreras de caballos, o los mercadillos callejeros londinenses, organizados en el último año en Madrid.

Sin embargo, más allá de la apropiación que las empresas comerciales hagan de los valores asociados a un destino con una identidad de marca positiva, como es Londres, la autoridad encargada del city marketing ha de usar la legitimidad que tiene para coordinar las historias que cuentan las marcas comerciales que se apoyan en dicha marca-ciudad, y que es a su vez su poder de marca.

Esta legitimidad es a menudo menospreciada y, curiosamente, raramente cuantificada en términos de valor de marca, pese a que le permitiría a la entidad gestora actuar como broker entre aquellas marcas que usan el apelativo marca ciudad. Y garantizar que los atributos asociados a la misma gozasen de una autenticidad fruto de la historia, la cultura, y la experiencia del propio destino. Es más, dicho poder de legitimación o validación del organismo gestor implicaría imponer un criterio de afinidad de marca, a la hora de promover iniciativas de financiación público privada. Algo que ahondará en una serie de medidas tendentes a mejorar la experiencia urbana, lo que a su vez implicaría una percepción de la marca ciudad más positiva.

Ver más artículos como éste en la revista del Instituto de Empresa: Ideas Empresariales

http://www.ideas-empresariales.com/articulos.cfm?idArticulo=197&idIdioma=1&titulo=Londres:-Gestion-de-la-marca-ciudad

Una Corea made in Nam June Paik

2007-03-13T12:30:00.000-07:00

Imaginemos el siguiente concurso:

¨Díganos el nombre de artistas de Corea, como por ejemplo Nam June Paik, un dos tres responda otra vez¨
… molesto silencio.
¨Veamos, de nuevo, díganos el nombre de directores de cine coreanos como por ejemplo…¨
Silencio, ésta vez aún más molesto.
Y de nuevo,¨… ¿y el nombre de actores, novelistas, o futbolistas coreanos¨?
Nada. Silencio.
… … …

- “Corea, ¿conoces a alguien de allí?
- ¿De cuál, de la del Norte o la del Sur?
¡Ah, cierto, hay dos!, será la del Sur, no? La otra es comunista!
- Pues una vez tuve una compañera de master…que era coreana. Y hay un director de cine, no me acuerdo de su nombre, que creo que es coreano también¨…
… … …

En esencia ¿Cómo hablar de un país del que no se sabe nada?¿Se busca en Google? ¿en Wikipedia? Eso nos daría alguna pista desde luego, pero tal vez no las suficientes como para acabar con nuestra ignorancia. ¿Y cómo consumir desde esa perspectiva cualquier manifestación artística del país?

Estos días y desde el mes de Febrero con el estatus de Corea como país invitado en la feria de ARCO, la ciudad de Madrid nos ofrece la posibilidad de exponernos a Corea gracias a siete exposiciones de artistas coreanos contemporáneos, entre ellas la celebrada muestra del video-artista Nam June Paik, y el estreno de la película The Host.

Asumiendo que fuera posible reducir un país a sus manifestaciones artísticas, la cuestión es si las interpretaciones que de esas obras se arrojan, no ahondan en exceso en claves nacionales más allá de las propias obras.
Porque ¿qué sabemos de Corea? Que hay dos, una al Norte y otra al Sur, y que gracias a su ubicación geográfica, cerca de China, de la que sabemos bastante más, alimenta un imaginario exótico donde la contemplación y el silencio, dialogan con la emergente adscripción a la cultura y consumo occidentales. Eso y que producen desaforadamente productos tecnológicos, y automóviles. Por eso no sorprende que en un guiño tipo bienvenido Mr Marshall, con motivo de ARCO, se diera la bienvenida mediante posters enormes, al presidente de Samsung, y a su esposa. Esto indudablemente reitera la importancia de un evento mediático como ARCO, con capacidad para familiarizar a un país con otro, pese a que lo someta a necesarias simplificaciones.

Por ejemplo, ¿qué historias de Corea nos han contado las interpretaciones de nuestros popes mediáticos, con títulos como ¨El espíritu Zen llega a Madrid¨, ¨Corea, ahora¨? Las de un país en contínuo cambio, que desde la década de los años 90 ha incorporado un mercado emergente donde el diálogo Oriente-Occidente, y donde por tanto la definición identitaria es clave. Elementos todos, sin embargo, no muy dferentes de los que describen por ejemplo a otros países entre ellos, China, o India.

Jung-Wha Kim, diseñadora del proyecto Corea, país invitado, hablaba en su visita a España de la difícil pretensión de hacer que a través del arte de un país que casi se desconoce, se descubra algo del mismo.
Asumimos que las obras de arte, o al menos las obras escogidas son fruto de un contexto, que vamos a ser capaces de extraer al observarlas, pero eso es pedir demasiado!

En ocasiones los individuos sobre todo si son artistas, se someten a un grado de simplificación que toda amalgama y consecuente etiquetado induce, a cambio de penetrar en mercados donde son desconocidos y necesitan simplificación y etiquetado. Así de repente, la etiqueta: “Arte coreano contemporáneo” con su carga de exotismo y alusión a diálogos entre tradición y modernidad, identidad personal y colectiva, se hace muy atractiva, e importa menos si encuadra a un colectivo difícilmente grupable, incluso si los artistas escogidos, se enfrentaron a un pasado común, y único. En el caso de la muestra de Corea, los artistas se formaron a partir de gente que estudió en Japón en los años 20 y 30, y comenzaron a ver manifestaciones de arte de estilo occidental en los años 60 y 70´s, y en la década de los años 80 con una dictadura militar de por medio, vivieron el arte político, hasta que en los años 90, iniciaron una búsqueda de identidad, pero no por ello son clasificables como colectivo.

Y es que al final las etiquetas y las marcas contribuyen al consumo de lo que sea, incluso el de un país desconocido, como es el caso de Corea.

Nam June Paik, otra historia
Ni qué decir tiene, que un artista en el exilio tiene menos ¨autoridad¨ para contar una historia nacional con su obra, y es por eso por lo que el consagrado Nam June Paik, (Seúl 1932-Miami 2006) atribuído padre del video arte, cuenta otra historia diferente de la del resto de los artistas integrados en la muestra. Nam June Paik , con sus celebraciones de objetos mutados por otros tiempos y geografías, cuenta la historia de Corea desde la distancia distorsionante de su exilio (dejó el país a los 18 años, en el año 1950, durante la guerra de Corea).

Nam June Paik fue un pionero que determinó la relación del arte y las nuevas tecnologías. La exposición que ha elaborado la Fundación Telefónica, es la primera retrospectiva que alude de manera específica a sus raíces coreanas, donde aparecen obras como Zen for TV, o TV Budda, inspiradas en los arquetipos de la tortuga, el tigre, la luna, el conejo o el chamán. Mediante la integración de la filosofía Zen, el Yin y Yang, el chamanismo, la aleatoriedad, el azar y la originalidad, él plantea un diálogo entre la modernidad y la tradición coreana, al que nos invita a contribuir.

Sin embargo, las características que todo proceso de ausencia y retorno trazan, también están patentes en su obra. Más que coreano, Nam June Paik fue un artista cosmopolita (murió hace un año) que surcó una geografía de occidental contemporáneo: Tokio, donde se licenció, Munich donde completó sus estudios de Música, y desde 1964, Estados Unidos. En ese periplo colaboró con artistas de la talla de Joseph Beuys, David Bowie, John Cage y Peter Gabriel. Participó del movimento Fluxus junto con Yoko Ono, y fue por tanto alguien que vivió en el círculo de la fama.

Es por ello, por lo que más que hablar de una Corea para las masas, con sus simplificaciones necesarias, él muestra la pluralidad de significados que Corea y los coreanos tienen para él. Para ello, seleccionaba sentimientos y figuras históricas de su país y las incorporaba en su obra, mostrando de esta forma, la pluralidad de significados que Corea le suscitaba.

Su fascinación con un mundo alternativo a lo real, fantasioso, hiperreal que para él era de alguna manera su patria, reivindica una Corea propia, y nos plantea la necesidad de profundizar ante cualquier intento de interpretación simplificadora.

La alternativa que él plantea, es ir más allá de simplificaciones y apropiarnos de Corea, como él hizo, construyendo una Corea made in Nam June Paik, ¿te atreves?

La exposición ¨Nam June Paik y Corea: de lo fantástico a lo hiperreal¨, tiene lugar en las salas de exposición de la Fundación Telefónica, se inauguró el 14 de Febrero, y se mantendrá hasta el 20 de Mayo

Chuck Close, tiempo bala en rostros hechos pedazos

2007-02-20T02:13:00.000-08:00

¿Te acuerdas de la última vez en que la imagen de la pantalla se congeló en pedacitos rectangulares, separados entre sí, hasta dejarnos ver el fondo? El tiempo parecía ralentizado y con eso nos permitíamos un raro lujo, reflexionar sobre la capacidad que toda ficción tiene para absorber la realidad. Mirar así la pantalla congelada, nos arrojaba al plano de lo real, y suspendía la ficción. Menos mal, que finalmente, los pedacitos se volvían a juntar, y la imagen, a animarse. Entonces, la ficción retomaba su devenir, y con ello, nosotros, y la realidad nos volvíamos a integrar en un todo.

Este efecto de paréntesis de la conciencia, se reitera en la actualidad con relativa asiduidad cada vez que hay un fallo técnico en las imágenes digitales, y ha sido apropiado por la ficción audiovisual para ampliar su sintaxis. Véase el ¨tiempo bala¨ de Matrix, e imitadores, donde el espectador aprovecha para tomarse un respiro y un buen puño de palomitas, hasta que la pantalla retoma de nuevo el ritmo, y nos sumergimos otra vez en la historia.

Curiosamente un efecto similar a esta suspensión del tiempo bala, se reproduce en muchos de los cuadros de la exposición de retratos del artista americano, Chuck Close, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Chuck Close, sin embargo, practicó este efecto antes de que lo digital invadiera nuestra vidas, como dijo el comisario de la muestra. Close además, reivindicó algo brutalmente subversivo en la actualidad: la carencia de valor del tiempo.

El pintor fotógrafo y el fotógrafo pintor
La gente deambula por la sala Nouvel, del Reina Sofía como sonámbula, y generalmente tras una atenta observación desde lejos, se acerca a los retratos peligrosamente, llegando a menudo a rebasar la línea de seguridad que se marca en el suelo. Ensimismados, se aproximan hasta que el celador de turno, un tanto harto del tema, les llama la atención. El tamaño de los retratos de la muestra, y el carácter de primeros planos fotográficos que llegan a medir hasta tres metros de altura, y reflejan cada una de las arrugas y poros del retratado, indudablemente son los culpables de este efecto. Pero no sólo, Close nos obliga a abrir los ojos más de lo normal en unas circunstancias que no lo son en absoluto. Todo lo que aparece en sus imágenes es excesivo si se observa en la proximidad. Una perspectiva ésta que resulta demasiado real para ser real, y que abruma!

Es además muy posible que la gente que entra en la sala de la muestra, sea consciente del proceso de creación del artista, de su forma de trabajo mediante la proyección de una fotografía sobre el lienzo, previamente cuadriculado y su traslado al mismo, cuadrícula a cuadrícula. Tal vez por eso, quieran verificar la plasmación de lo real en pedacitos, hasta la distorsión y la pérdida de sentido! Y tras avanzar peligrosamente, se desplazan hacia atrás

Y es que pese a que la técnica tal vez no sea lo más importante en la obra de Close, (él argumenta que casi no se da cuenta del vocabulario empleado para contar cada historia), ésta evolucionó a lo largo de los años. Así, de contener en cada retícula un solo punto, pasó a incluir huellas dactilares, como en la magistral: ¨Fanny¨ del año 1985. De esta manera cada cuadro parece plasmar la realidad como si sólo fuera posible hacerlo mediante su construcción trocito a trocito.
De esta progresión técnica, dan cuenta en la muestra varios autorretratos de Close. Del blanco y negro que nos saluda al entrar en la sala, del año 1967-8, y que reproduce a la perfección la textura del pelo del retratado-pintado, y el reflejo del cristal de sus gafas, a los de un Close colorido, barbudo, calvo, y siempre con gafas, en varios estados de evolución física. Llaman especialmente la atención, las texturas del pelo, del humo, de los cristales de las gafas, de los retratados en las etapas iniciales. Ejemplos usados en la actualidad para venerar la calidad lograda por las imágenes generadas por ordenador, que cada vez se parecen más a las de las imágenes analógicas. Es como si Close planteara un diálogo entre pintura y fotografía, retomado ahora, por otro más actual entre imagen analógica, y digital.

Rostros conocidos
Además de autorretratos, Close, pintó a amigos y conocidos, y muchos de sus modelos están en su familia, rubricados bajo nombres familiares. Así: ¨Phil¨, se refiere a su amigo el artista Philip Glass, que como otros retratados, son en la actualidad famosos que en muchos casos eran artistas desconocidos cuando se conocieron, y con quienes el artista mantenía una estrecha relación. A la vez, los propios nombres de los retratos aluden al carácter anónimo de los rostros representados. Podrían ser cualquier hombre, cualquier mujer... Según él mismo dice: ¨Pinto a personas que me importan, con las que tengo una relación¨.

Close siempre se negó a hacer retratos por encargo, para conservar la libertad de elegir a sus modelos, y poder escoger a alguien a quien le apeteciera conocer mejor, excepción que hizo con una obra no incluida en la muestra, el retrato de Clinton. Además como él dice: …¨la gente se quiere ver sin poros dilatados y sin arrugas. Y mis retratos son implacables¨. Dice que no hace cirugías estéticas y que tal vez por ello, el 95% de su obra está en museos y no se utiliza como adorno, pese a tratarse de retratos reales.

Chuck Close tiene en la actualidad 66 años, y es originario de Monroe, un pueblo pequeño del estado de Washington (EEUU). Se doctoró en Bellas Artes en la universidad de Yale, y tras un año en Viena a mediados de los 60, acabó trasladándose a la que finalmente sería su ciudad, Nueva York. Comenzó a pintar usando técnicas hiperrealistas hasta pasar a una forma de realismo más abstracto, en las siguientes décadas.

Durante los 80 y 90 continuó experimentando con diferentes formas dentro de cada cuadrícula, introduciendo en cada una de ellas, pinturas abstractas en miniatura, que recuerdan a pequeñas amebas de colores brillantes como el fucsia, el amarillo mostaza, el violeta oscuro y el turquesa. En 1988 sufrió una tetraplegia que le ha obligado a utilizar silla de ruedas desde entonces. No obstante, continúa pintando con la ayuda de unas pinzas de bronce y un caballete móvil especialmente diseñado para él. Pero no busques evidencia en su obra, de ese ¨evento¨ como él lo llama. ¡Es como si hubiese continuado su carrera con más energía que nunca!

La exposición: ¨Chuck Close, Pinturas 1968-2006¨ se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, e incluye un paseo por todas las etapas del artista, conformando la primera retrospectiva del artista en España. La muestra abrió sus puertas el 6 de Febrero y se prolonga hasta el 7 de Mayo. ¡No te la pierdas!

¨L air du temp, aires de provocación: José Ramón Saínz Morquillas”

2007-02-20T01:50:00.000-08:00

Barakaldo, en la provincia de Vizcaya, es uno de los pueblos-ciudad del estado español que más ha evolucionado en el último medio siglo. De bucolia paradisíaca junto a un Bilbao portuario, en los albores del siglo XX, a residencia inmigratoria del desparrame industrial del gran Bilbao en los sesenta y setenta, para en el momento presente, convertirse en reinvención post-industrial, utopía de la urbe-servicios contemporánea.

En ese enclave de yuxtaposiciones de la historia, nació José Ramón Saínz Morquillas, un hombre que casi como la ciudad de dónde es originario, tiene un largo recorrido que le ha dejado su poso y le hacen combinar la producción de arte, Morquillas es pintor y escultor, con la crítica del mismo, el autor colabora como crítico de arte en los diarios Egin, Deia y Punto y Hora.

Y sin embargo, habrá quienes desconozcan completamente su vida y obra. El consejo para todos ellos es que busquen a Morquillas en Google. Si haces esto, te encontrarás con que éste agitador de la escena artística bilbaína, de casi sesenta años, aparece relacionado a nombres muy propios, como los de Beuys, Duchamp y Picabia, con quienes comparte un interés por plasmar las complejas relaciones existentes entre la política y el arte.

Artista polifacético, ha llevado a cabo una obra experimental desde finales de la década de los años setenta y, sobre todo, durante los años ochenta. También ha impartido cursos sobre Arte y Política en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, diseñado catálogos, carteles y libros y ha publicado poemas. Sus obras son montajes que tienen como tema principal el hombre y su entorno. Por ejemplo el collage “Urdaibai”, referencia a un idílico enclave en la provincia de Vizcaya, y una de las zonas más protegidas en términos ecológicos del País Vasco, aparece como paisaje apocalíptico, dominado por amenazantes nubes, y un río contaminado, en el. que ajenos bañistas domingueros chapotean alegremente. Yuxtaposiciones, enfrentamientos, provocación en suma.

Desde el año 1967 donde realiza su primera exposición en la sala de la Diputación de León, Morquillas ha realizado más de 20 exposiciones, siempre ligado a la representación de su entorno más inmediato, y de esto es fruto el que con asiduidad exponga en Bilbao, y en el País Vasco en general, en cuyos espacios de arte ha expuesto de forma asidua tanto participando en exposiciones individuales como colectivas. Títulos como: “La trama del arte vasco” (1980) en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, “20 artistas vascos” (1984) en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, “Colección pública” (1991) en el Museo de Bellas Artes de Vitoria y “Bizkaiko Artea” (1992) en la sala de la Diputación de Bilbao, ilustran su implicación con el entorno.

La presente exposición en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, titulada: L´Air du Temp, toma el nombre de una de las obras incluídas, y muestra un conjunto de instalaciones en donde, a través de una variedad de medios técnicos, que incluyen pintura, escultura, fotografía, collage y performance, se plantea un recorrido por la crítica social, política y cultural, y las a menudo complejas relaciones entre el arte, la política y el mercado artístico. De esto dan buena cuenta collages como el titulado “Esperando a Zachary Fitz” donde deambulan desconexos entre sí, indios y vaqueros de un western cualquiera, junto a héroes, y más o menos villanos del consciente colectivo vasco, ante el Museo Guggenheim de Bilbao, que exhibe a Mickey Mouse en su fachada.

Sin duda la provocación está servida. ¡Pasen y vean!
L´Air du Temp, se inaugura en el Museo de Bellas Artes, en Bilbao, el 12 de Marzo, hasta el 27 de Mayo.

Hannah Wilke, peripecias sobre el eterno femenino

2006-11-27T05:31:00.000-08:00

En tiempos donde lo femenino parece practicarse de forma normalizada, salvo algunas excepciones, se nos aparece un poco a modo de pulpo en un garaje, la retrospectiva de una artista relativamente poco conocida en España, Hannah Wilke.

Alguien, a quien a simple vista, podemos tildar tanto de feminista, como de narcisista puede parecernos hoy en día, sin interés. Y visto así, esa crítica es posible. Sin embargo, el logro de Hannah, al margen de la belleza estética de muchas de sus obras (en bastantes, ella era la protagonista), fue documentar un tiempo de exploración y lucha, que fue posible en el Nueva York de los años 60, y 70, y su posterior evolución.

Pero la importancia de la obra de Wilke, y su muestra en España, pesa aún más porque aquellos años en nuestro país fueron diferentes. Las mujeres españolas de esos años aún tenían de referente a la nietísima, Carmen Martínez Bordiú, y lo personal más que político, era simplemente eso, personal!

Y es que por muy difícil que sea imaginar un tiempo pasado, que casi siempre se ve mejorado por la nostalgia, cuesta imaginar una escena socio-artística dominada por el comportamiento masculino destroyer de finales de los 50, de los Pollock de turno. Un momento contrastado por la aparición rupturista de artistas femeninas que con su arte proclamaban a la mujer sujeto frente a la tradicional mujer objeto. Mujeres, que usaban la autoreferencialidad que les daba el uso de su propio cuerpo para reivindicar un espacio considerado como íntimo y privado, y que no era otro, que el que la mujer ocupaba, y nadie veía. Estas artistas empezaban a usar materiales novedosos, como el latex, las gomas de borrar, y medios desligados de la tradición pictórica, por considerarla masculina y tradicional, como el vídeo y la performance, que además las permitían, gran libertad de expresión. En ese entorno, es en el que aparece Hannah Wilke.

Chicles y performances
Hannah, la mujer, nació en Nueva York en 1940 y murió de cáncer en 1993. Así se puede resumir la vida de ella y muchas otras mujeres. Que contemos con un sin fin de imágenes que testimonian su peripecia vital entre esos años, nos plantea interrogantes, explicaciones, y en definitiva la posibilidad de una historia menos perecedera.

Hannah lidió con los roles y estereotipos sobre la feminidad en el ámbito de lo social y lo político. Y lo hizo usando el disfraz como alusión a la imposibilidad de definición del eterno femenino. Véanse las fotos en las que aparece posando de formas diferentes y contradictorias, en un catálogo muchas veces usado por la publicidad hasta la saciedad, pero que ella sacaba de contexto al mirar de forma desafiante al objetivo. Se alejaba así del mundo de la publicidad, especialmente la de la época, donde la mujer era mera portadora de una belleza pasiva e ingenua.

Artista multimedia, antes de que ese concepto surgiese, Hannah practicó la fotografía, que usaba para documentar sus performances, como en las de la serie “So Help Me Hannah”, el vídeo, la pintura o el dibujo. Asímismo, usó desde los más tradicionales materiales como la cerámica, a la goma de mascar, en un afán por reivindicar lo que tradicionalmente no tenía visibilidad, la cotidianidad del universo femenino.
Los chicles, de esta forma, eran una parte fundamental de sus performances, donde pedía a la audiencia que los masticaran hasta que ya no tuvieran sabor, porque era cuando servían y pegaban, para que ella después, pudiera incluirlos en su obra. Haciendo esto, reclamaba la idea de proceso y no sólo la de tarea terminada, que era como se veía el trabajo doméstico de la mujer, como en apariencia banal, sin proceso y casi inexistente.

En definitiva, el chicle le resultaba un material-concepto perfecto, porque además ilustraba el papel de la mujer en las relaciones. La mujer como chicle de usar y tirar… Véanse las series “Starification object series”. . Algo con un fuerte sabor al principio, pero que pronto deja de gustar porque pierde sabor, y se tira. Un poco melodramático, tal vez ¿no? Pero así era el lema feminista de los 70, lo personal como político!

Hannah, ¿mujer objeto?
Fue criticada por las propias feministas de su época, por el uso de su cuerpo de forma narcisista. Ella era un bellezón, como queda patente en muchas de las fotografías de la muestra. ¡Quién sabe qué hubiera pasado, de haber tenido otro cuerpo, otro rostro!

Usó por tanto su bello cuerpo como portador de mensajes, y de esta manera su obra, puede verse como diario gráfico de la evolución física durante casi treinta años, al estilo de los realities actuales. Ella se dejaba mirar, pero controlaba la mirada que quería que se proyectase sobre ella. En este sentido nos recuerda a los personajes actuales de televisión que argumentan controlar su imagen, para dar una determinada impresión ante el público. Pero como ¡ahora todos somos mediáticamente tan sabios!

Consciente de esa sabiduría, incidió irónicamente en el rol de la mujer como portadora y no como hacedora. Una faceta ésta, la de la ironía, que se reflejó en todas sus obras, y en especial en los títulos de las mismas.

Y es que por muy poco inglés que se sepa, títulos como el de la serie: ¨Starification…, evidencian el juego de múltiples niveles interpretativos al que acostumbraba cuando ponía nombre a sus obras. La palabra “star” estrella, significa alguien famoso, pero a la vez, alguien con posibles ¨scars¨ cicatrices, el significado de la palabra en inglés.

El propio título de la presente retrospectiva del Artium de Vitoria, préstamo de Marx, Exchange Values, alude al valor de cambio, y a su vez a la necesidad del mismo, que puede significar el cuerpo femenino. El título además evidencia la atracción que las frases de doble sentido y los juegos de palabras tenían para ella. Parece decirnos, nada es tan sencillo como parece, aunque ¡también puede serlo!.

En los últimos años, Hannah representó el deterioro físico. Inicialmente en los retratos de su madre, que murió de cáncer, y posteriormente el suyo propio, (ella también sucumbió al cáncer en 1993), ilustrados magníficamente en las series ¨Intravenus. Nótese la ironía del nombre, donde se hace reflexionar sobre la fragilidad de la belleza, y la necesidad de introducir cuerpos extraños entre las venas, en un afán curativo. Esta serie, finalmente actúa como el perfecto cierre de una vida-obra a modo de foto-album, y como el legado de alguien que fue sujeto y objeto al mismo tiempo.

Esta primera exposición de Hannah Wilke en España, cuenta con 60 obras, e incluye sus primeros dibujos y esculturas, a la vez que se centra en las diferentes técnicas y temáticas que ella abordó con un sentido cronológico. Así se incluyen sus series más emblemáticas como Super T Art¨, SOS Starification Object Series¨, ¨So help me Hannah¨, o ¨Intra venus¨.

La presente muestra, en suma, opera como intento de recuperar una memoria que no tuvimos, y que al estilo de los replicantes de Blade Runner, tenemos la posibilidad de implantarnos, con la esperanza de humanizarnos y valorar una realidad a la que muchos nos despertamos un buen día, sin entender cuánto costó su conquista.

Hannah Wilke, Exchange values, está abierta al público en el Artium de Vitoria, del 5 de Octubre al 7 de Enero.

¿Has visto ya “El Código”?

2006-07-11T08:34:00.000-07:00

Con motivo de San Jordi, el día del libro, infinidad de escritores y editores se rasgaron las vestiduras para quejarse del escaso número de libros vendidos en nuestro país: 400.000.

Se citaba con saña que la mayoría de éstos eran best sellers, y que las ventas de los otros libros eran algo menos de la mitad. De los best sellers quien más ha dado que hablar es El Código da Vinci, nuevamente puesto ¨de moda¨ por el estreno de la película el 19 de Mayo. Una fecha convertida en evento gracias a la expectativa de lo inminente, del evento consumible con fecha de caducidad.

Y es que llegar a ser best seller no es fácil. Hay libros sobre cómo crearlos para triunfar, y la fórmula se hace de rogar. Hay algo de ser consciente de que hoy en día se prefiere la información bien presentada a la excelencia literaria, tramas complejas y extensas de aspecto barroco que líen sin llevar a ningún sitio al estilo de las pelis de acción. ¡Eso es lo que vende!

Considerar un libro un best seller significa inundar librerías y conquistar una cuota de presencia mediática, capaz de traspasar los límites del propio papel y plantear adaptaciones a un sinfín de formatos. También significa que el autor, en este caso Dan Brown, se convierta en estrella millonaria, a la altura de un famoso de farándula!

¡Y quién puede quitarle el mérito! El Código da Vinci se ha traducido a 30 idiomas, consiguiendo ventas superiores a 40 millones de ejemplares, en un camino imparable contra el olvido. Si la mayoría de los libros a duras penas logran llegar a las mejores baldas de las librerías de las ciudades más pobladas, para apenas durar semanas antes de ser sustituidos sin venderse, El Código, no; y desde la primavera del año 2003 cuando se publicó, se ha resistido a desaparecer no sólo de las baldas, si no también de nuestras vidas.

La construcción del evento
Inicialmente recomendado por el boca a boca, gracias a una controvertida temática que ponía en entredicho los pilares sobre los que el catolicismo se basaba, y a los que parecía que todo el mundo tenía ganas, el éxito del libro se afianzaba con cada escándalo de plagio, interposiciones de aludidos, y exigencias de retirar los posters anunciadores de la versión fílmica, cuando éste fue adaptado al cine. Por no hablar de las convocatorias a pre-visionados de 35 minutos donde a los periodistas se les requisaba el móvil en un aura de misterio y secretismo que intentaba preservar una historia conocida por los millones que ya habían leído el libro, y por el resto que llevábamos topándonos casi a diario con una trama desvelada en cada noticia relacionada con el tema. Lo último, lo sucedido en una Iglesia de Roma en proceso de restauración, donde intervino hasta el mismísimo ministro del Interior de Italia para retirar un poster de la película de la fachada!

Todo ello ha contribuido a crear un suceso, el evento Da Vinci, que más allá de la propia creación literaria, se extiende como mancha de aceite a otros formatos: cine, DVD, vídeo juego, y que tiene como último suceso, el estreno mundial de la película el 19 de Mayo, ni antes ni después.

De hecho estamos tan acostumbrados a que los estrenos cinematográficos resalten tanto la fecha del estreno, que más que indicar desde cuándo la película puede verse parece anunciar desde cuándo ya no merece la pena hacerlo. Las películas con pocas semanas de vigencia se retiran de la gran pantalla si no hay eventos que las puedan alimentar.Y para esto vienen bien las nominaciones a premios tipo oscar, un romance o un escándalo alrededor de uno de los protagonistas. De hecho, mejor si es entre ellos, como con “Mr. y Mrs. Smith”. En definitiva, lo que sea con tal de alimentar la maquinaria, y no caer en el olvido…

Si se pierde la oportunidad de verlas en cuanto salen, se pierde ser partícipe del evento que es su estreno, y eso no lo queremos. Así que, a nadie le importa esperar largas colas los viernes y sábados del primer fín de semana del estreno y acabar en el peor asiento. Lo importante es no perderse el momento de la involucración con el resto, el subidón ante una respuesta afirmativa al ¿“Ya has visto…?”

Y es que vivimos en una sociedad escéptica, demasiado móvil y portátil, donde a lo máximo que aspiramos es a la conectividad, no a un compromiso fuerte (político, amoroso, laboral). Perseguimos la implicación súbita y ocasional, no necesariamente el compromiso que tiene connotaciones de largo plazo, como dice Vicente Verdú. El voluntariado, las manifestaciones callejeras, que van desde lo más serio como el contrato del primer empleo, a las lecturas masivas de Harry Potter, o los megabotellones, son ejemplos de que implicarse sustituye a comprometerse, sin renunciar al capricho o la emoción. Por ello, cuando el director de Sony España, en el previsionado de la película El Código Da Vinci señaló que ¨En todas partes del mundo, este previsionado está ocurriendo al mismo tiempo!¨, estaba adjudicando a la sesión una emoción artificiosa tal vez, pero a la vez adictiva.

La sucesión de eventos culturales es fundamental en la industria del entretenimiento y uno tras otro construyen una temática, una experiencia generalmente satisfactoria para quienes la consumimos, y aún más para quienes contribuyen a su construcción, los grupos empresariales de la industria del entretenimiento.
Sony Ericsson, Fox Broadcasting Corporation, Miramax, etc. cuentan con una estructura organizativa global e integrada, capaz de ofrecer experiencias unificadas en múltiples plataformas (libro, película, vídeo juego, CD) de manera que abrir un paquete de cereales, planificar nuestras vacaciones, llamar por teléfono, o ver el telediario nos obliga a vivir en una “davincimanía”, durante un tiempo en el que nuestra vida gira alrededor de ese monotema. A esto contribuye el que los protagonistas usen productos comercializados por el grupo empresarial. Tanto Tom Hanks como Audrey Tautou aparecen en la peli “El Código” con el teléfono 3GK600, el smartphone P910, o el Z300, y al inducirnos a su compra y uso, extendemos la experiencia Da Vinci. ¿O ya no te acuerdas de lo Neo que te sentías al usar el Nokia que te compraste cuando viste Matrix?
¡Cuenta, cuenta, cuántas marcas identificas cuando veas la peli!

Si a esto añadimos, el elenco creativo de delante y detrás de la cámara, el reclamo publicitario es total. El director Ron Howard, el productor Bran Grazer y el guionista Akiva Goldsman, ya formaron parte del equipo escarizado por “Una mente maravillosa”, y el protagonista, Tom Hanks ha sido dos veces escarizado. Por no mencionar las localizaciones donde la película se ha rodado, emblemas del imaginario del americano medio, que aspira a apropiarse de un pasado histórico del que carece.

Ante tanto ruido no han faltado rutas turísticas al estilo “Da Vinci” por Francia y Gran Bretaña, y paquetes vacacionales que prometen descubrir los misterios de la ruta “Da Vinci”. De hecho, el impacto de la literatura y no digamos el cine, en el turismo es tan espectacular, que la Capilla de Rosslyn en Escocia, uno de los sites de El código da Vinci, ha pasado de una media de 9.000 visitas anuales, a 70.000 ¡y eso que aún no se ha estrenado la película!

¡Quién sabe, tal vez no se trate sólo de la búsqueda de conexión! Y es que quien más y quien menos, ansía al menos durante un rato, convertirse en Robert Langdon, el protagonista de “El Código” para enamorar a la prota de “Amélie”.

El Código da Vinci, desde el 19 de Mayo, consumible en España y el mundo entero!

Liftings existenciales y segundas oportunidades

2006-04-12T04:55:00.000-07:00

¨Cariño, me voy a comprar tabaco!¨, dijo Manuel a su mujer e hijos en 1959, pero nunca más volvió. Reapareció 45 años más tarde, fallecido, bajo la identidad de otra persona, un tal Luis que había emigrado a la Argentina, y a quien Manuel en su ausencia, suplantó en España durante 45 años…

Noticias de este tipo de vez en cuando salpican nuestra existencia y queramos o no, nos hacen soñar con la posibilidad de segundas oportunidades para escapar de rutinas más o menos agradables que en muchas ocasiones nos gustaría abandonar, si no por aburrimiento, sí por ansias de novedad. En suma, ¡ser como los Clark Kent-Superman, o Peter Parker-Spiderman, y tener una identidad alternativa!

Despertar un día y tener ante nosotros la posibilidad de empezar de nuevo, ver la vida de forma diferente y ser capaces de escapar de la mediocridad y la rutina, son cosas verdaderamente deseables. Sabernos elegidos para interpretar un papel especial que alguien cree que verdaderamente nos merecemos, lo es aún más. Algo que tentaría incluso al existencialista más recalcitrante, que por supuesto ansía en secreto ser descubierto por el Almodóvar de turno.

Cuando uno se topa por casualidad con las fotografías de Chema Madoz no es consciente aún de que esa segunda oportunidad es posible y además, se le puede presentar… Pero empieza a intuirlo. Si en ese momento decide adentrarse en el proceso de creación de las mismas, entonces ya sabe que hay esperanza y que le puede pasar a él.

El fotógrafo Chema Madoz comienza su creación con una selección de objetos abandonados en lugares como el rastro madrileño, donde yacen descontextualizados. Allí, uno imagina al artista como pícaro estético, escudriñando las posibilidades de los objetos apilados, imaginando su potencial efecto tras formar parte de composiciones fotográficas capaces de transmitir, por una parte la ironía de lo reconocible que sueña con otra existencia, y por otra, el triunfo de haber escapado de un destino sin esperanza.

De hecho, la vertiente poética de una existencia rescatada se magnifica por su carácter efímero y eterno a la vez. Efímero por cuanto una vez fotografiados, los objetos dejan de existir como tales, se reutilizan, o desaparecen... Y eterno porque, como composiciones fotográficas que impactan a los espectadores, permanecen para siempre en su memoria...

Este doble carácter queda ilustrado al incluir como parte de la exposición que la Fundación Telefónico hace sobre los cinco últimos años de la obra de este fotógrafo (premio Nacional de Fotografía 2000), veinticuatro escaleras de madera, colocadas una junta a otra, formando una circunferencia de grandes proporciones, que se retirará una vez se fotografíe y acabe la muestra.
Sin embargo, el grueso de la exposición lo forma un total de noventa fotografías en blanco y negro representando objetos yuxtapuestos, que van desde el chiste visual por el chiste visual (la piedra monedero que ironiza sobre el “menos da una piedra”), a la crítica social (la violencia de un “boom” knoqueador).

Imágenes, que sin excepción, proponen alternativas a nuestra forma de mirar cotidiana, actuando como liftings existenciales. El que esté ubicada en el punto más neurálgico de la Gran Vía madrileña, aumenta este efecto tonificante. Uno contempla a turistas desubicados y a visitantes ex profesos, entrar agotados en la muestra y salir sonrientes, como masajeados. Y es que tras la muestra la gente sale agradecida y exultante, y plasma en testimonios políglotas su interés por conocer a Chema, invitarle a un café, piratear sus fotos, e incluso tatuárselas. Por eso, por hacerles ver suaves tapices de hierba, donde antes sólo veían pasos de cebra.

Vete a ver la exposición: “Chema Madoz (2000-2005)”, en la Fundación Telefónica de Madrid, Gran Vía 28, hasta el 21 de Mayo.

Quiero ser británica! (1)

2006-04-03T10:23:00.000-07:00

Una mañana al despertar, creí que ya era británica.

Aún no había hecho el test de las 24 preguntas a las que se sometían aquellos que deseaban convertirse en ciudadanos de la Gran Bretaña, pero me gustaba Keira Knightley, escuchaba a grupos como Artic Monkeys o Franz Ferdinand, y al anunciarse Londres como ganadora a la candidatura a las Olimpiadas del 2012, me avergoncé por sentirme secretamente orgullosa.

Arte, moda, cine, música, diseño y arquitectura, e incluso los Beckham, por no hablar de fútbol británico sentaban cátedra en medio mundo en versión original, manteniendo su nombre con la ayuda de diminutivos que tan bien funcionan en inglés: brit art, pop art, brit pop, brit com, brit fashion, y de repente me dí cuenta: ¡el nuevo imperialismo ya no era el yanqui! Gwyneth, Madonna e incluso Woody Allen ya nos lo habían dicho.

Lo británico era como las armas mortíferas de “La guerra de los mundos”, había estado latente durante mucho tiempo coexistiendo con todos nosotros, hasta que un día decidió hacerse visible en múltiples formas, ¡y de qué manera!Busqué entender qué había pasado, y llegué a la conclusión de que las claves eran geográficas e históricas. Gran Bretaña es una isla, y los británicos tienen un pasado colonial reciente que han incorporado mediante oleadas de inmigración, con una lengua común: la inglesa. El resultado se evidencia en manifestaciones culturales complejas y siempre liminales: las pinturas con boñiga de elefante de Chris Ofili, la heterogeneidad racial de los Asian Dub Foundation, y en otras no siempre legítimas, pero que evidencian tal crisol. Por ejemplo, los digamos brits blancos de clase media, se sienten tan culpables de no ser otra cosa, que han incorporado a sus ademanes y obra, munición suficiente como para no ser solamente eso.

¡Es tal vez lo que les pasa a los elegantes Bloc Party, gracias a su super líder, el étnico Kele Okereke!Definitivamente poco puede hacer uno para protegerse de la cultura británica contemporánea. Ha aprendido a integrar una mirada desde el borde, en su conformismo diario, y se somete a crisis internas de las que sale más fortalecida, y con un discurso contemporáneo fácilmente exportable y capaz de hacer frente al más enfebrecido proteccionismo cultural, porque a ver, ¿de qué les ha servido a los franceses tanta lucha encarnecida para protegerse del inglés, si todos acaban la semana en un “le weekend”?¿Más evidencia? Nuestros poperos más modernos han sacado EPs en inglés, los futbolistas anglos llevan años viviendo en nuestro país y hablan castellano en inglés, y en Londres a Zapatero le piden que haga resúmenes de lo acontecido en sus reuniones con Blair, en inglés, ¡pero todo esto tiene un pase, porque como no se trata de yanquis…!Hemos intentado rebelarnos pincho de tortilla en mano, mediante dignas iniciativas raciales: lo flamenquito chill out, la rumba canalla lolailolailo, pero dejémonos de bobadas, lo cool (palabra en inglés) es lo que viene de allí. La cool Britannia de los finales de los 90, afín a las ideas de un aparentemente soñador Tony Blair que de forma frágil aunó durante un tiempo lo que parecía el fín del high and low cultural, que invitaba a los hermanos Gallagher a tomar el té en el domicilio presidencial de Downing Sreet, parece que lejos de evanescerse, está aquí para propagarse y quedarse … con todo.Y si alguien se imagina un día de éstos a los Estopa, merendando en La Zarzuela, ¡ya podeis iros olvidando del tema!

[1] Puntuación al estilo anglo, fruto del proceso de britanización del que ya soy víctima

Quiero ser británica (2)

2006-04-03T10:12:00.000-07:00

Crisis, what crisis?

Pero los británicos no las tienen todas consigo, en su permanente autocrítica hace tiempo que han dejado de sentirse el centro de la metrópolis, y pese a la constante exportación de su talento, reconocen que a veces meten la pata, e incluso piden perdón educadamente. Véase la disculpa pública que apareció en la web de los Kaiser Chiefs al tener que cancelar su gira por España en Noviembre. Claro que su éxito culpable imprime tal contradicción a todo lo que hacen, ¡que les perdonamos con gusto! A excepción de a las hordas de bárbaros que invaden nuestras costas y se desploman inconscientes desde Lloret a Cabo de Gata cada verano, pero ésos son otros, no pueden ser los mismos, ¿no?

Rodeada de todo esto, me he ido haciendo patriota en reverso, es decir deseando ser británica, para sentirme culpable por ser cool, y tararear sin esfuerzo las canciones en inglés de hoy en día, ¡que son casi todas! Para ayudarme, no que lo necesite, se suceden constantes exposiciones de artistas conceptuales que exhiben animales disecados: Damian Hirst, jardines de niños y perversión: los hermanos Chapman, y fotógrafos de gordura con actitud: Jo Spence, así como conciertos de grupos anglos, que ni merece la pena mencionar de tanta cobertura mediática que han tenido. Y junto a ellos, versiones asociadas a lo que se asume es lo británico: la vanguardia, la excentricidad y la singularidad, capaz de adaptarse y sobrevivir en cualquier entorno. Manifestaciones, muchas que no son necesariamente británicas en el sentido de ser originarias de Gran Bretaña, si no que se auto califican como tal, por adoptar las características que se suponen British. Así, unas que si un especial de moda a la British fotografiado en Alcobendas o alrededores en tal revista, o una reseña de cine de una peli que innecesariamente trascurre en Gran Bretaña, otras. Todos queremos apropiarnos de lo que de British hay en el mundo, y para esto las nacionalidades tienen poco que ver…

Memes: los ultracuerpos de la cultura

2006-04-03T03:36:00.000-07:00

Seguro que alguien te ha dicho recientemente que la película "Flores Rotas" de Jim Jarmusch, es "Lost en Translation", pero con más féminas, o que "Código 46" es como "Lost in Translation". O tal vez hayas visto a unos chavalillos bailando como los del trailer del documental sobre el "krumping", de David de La Chapelle, imitación de la capoeira, el break dance, y el hip hop...

Tanta referencia reiterada da qué pensar, y es que resulta curioso cuando en circunstancias aparentemente inconexas te topas con ciertos nombres o referencias, que ante tanta avalancha informativa parecen tenderte una mano y ordenar el caos, como si de pistas cósmicas se tratase.

Pues sí, no estás loco. Lo que sucede es que para muchos, la cultura se transmite así, mediante información seleccionada por nuestros cerebros, mediante imitación. Esta información replicada sin finalidad alguna, excepto su supervivencia, son los ultracuerpos de la cultura, los memes, (Richard Dawkins en su libro “El Gen Egoísta”, 1976).

Parece complicado, pero no lo es tanto. Toma dos temas musicales. Uno de ellos te sería difícil cantarlo en un karaoke, y el otro, casi te encuentra convertido en un chico OT, micrófono en mano, tarareándolo. Lo más probable es que este segundo tema sea una pieza pegadiza, y que lo repitas una y otra vez hasta que alguien te pida que por favor dejes de cantarlo, o hasta que tú mismo desarrolles cierta capacidad de autocontrol. Es difícil: tu compañero de trabajo tiene esa misma melodía como sintonía de móvil, y ya no hay forma de parar. No puedes sacarte la dichosa música de tu cabeza. Y de esta forma, el mundo se llena de melodías pegadizas y facilonas, como la cancioncilla de Coti con Paulina Rubio y Julieta Venegas que suena por todas partes: en la tele, en la radio; se canturrea por la calle, tiene sus tonos telefónicos… Así que aunque lleves días y días intentando escapar de ella, no puedes y lo que es peor, hasta te acaba gustando!

Tampoco es que necesariamente nos manipulen los memes de la sociedad de consumo. La supervivencia de un meme depende de su capacidad de adaptación al medio, y es éste quien selecciona a aquéllos capaces de sobrevivir, pero éstos fácilmente escapan al control de un grupo social y siguen un único principio, el de la ley de la supervivencia. Por ejemplo, el meme: “Pásalo” necesitaba ser enviado para garantizar su supervivencia, e incitaba a ello, promoviendo la necesidad de pertenencia al grupo. Si lo recibías, sabías que estabas dentro.

Los memes van y vienen, pero están en todas partes, apoyados por una cultura hipermediatizada, donde las frases hechas, y las melodías pegadizas de temas pop abundan y se replican en múltiples soportes, y donde lo fácil es ceder alegremente a la conformidad.

Fíjate cuando hablas. Probablemente ya seas uno de los muchos que ha terminado usando la expresión: "Pues va a ser que no", del anuncio de Digital Plus. Evitarla es casi imposible, porque hacerlo es como no querer jugar la partida con los demás. Antes tuvimos el “condemorrrr” de Chiquito, y entre medias el “cuñaooooo” y el “rarorarorarooo”, memes ya casi difuntos.

También los memes son juguetones y banales. Los que tienden a perdurar, son de hecho fundamentalmente divertidos, porque ¿hay algo más divertido que la imitación por la imitación?

Imitación de los labios de Angelina Jolie por parte de starlets, modelos y actrices, y de los movimientos y gestos del último rapero televisivo por parte de jóvenes y no tan jóvenes. Imitación del peinado de Lady Di en pleno revival ochenteno, y diversión mítica ya, la de ver quién conseguía emular mejor aquella melena de la ex Friend Jennifer Aniston, que se replicaba cada vez que una chica llegaba a la peluquería con una foto recortada de su revista favorita e imploraba que le hicieran un corte “similar”. La moda es en ese caso un meme divertido que no nos hace sentir manipulados, porque sabemos que se trata de algo más complejo.

Los tiempos cambian y ahora los memes usan soportes virtuales, el site: http://www.touristofdeath.com/ es un ejemplo del uso de imágenes digitalmente alteradas, yuxtapuestas en espacios imposibles. En él, un turista (la misma persona, con igual pose y atuendo) aparece en distintas situaciones de horror altamente mediatizado, como por ejemplo en lo alto de uno de los edificios del World Trade Centre antes de que un avión (que se ve se acerca) esté a punto de estrellarse, tal y como ocurrió en el 11 S. Estos memes replicados hasta la saciedad vía URL´s que se pasan fácilmente, también se encuadran en el terreno de lo lúdico y lo irreverente. Se trata en la mayoría de los casos de improvisaciones apoyadas en imágenes pop archiconocidas, pero sin demasiada complejidad estética, cuyo rasgo principal es la originalidad conceptual. Aparecen porque pueden y se copian con rapidez asombrosa, gracias a las herramientas digitales de acceso para la gran mayoría.

Y los memes musicales? Son apuestas conformistas, mediatizadas, homenaje admirativo o mera diversión? Que se lo pregunten al grupo americano: The Bravery, cuyo tema "No Brakes" es meme de muchos de los del británico: The Cure!

Lo que está claro es que los memes, en su afán por robarnos una parcela del cerebro y permanecer ahí, actúan como ultracuerpos buenos. Nos ayudan a navegar por el exceso y vértigo informativo, márcandonos pistas que nos permiten seleccionar bits culturales para “pasárselos” a los demás.

“En nuestros cerebros” – Pásalo! –, “los memes, y la cultura, tienen la mejor garantía de supervivencia”.

España "marca"

2006-04-03T03:26:00.000-07:00

Un país en construcción
La geografía española está en estado mutante, insatisfecha del presente, y con la vista proyectada hacia el mañana. Lleva tiempo, nadie se acuerda cuánto, entre grúas, socavones y andamios. A nosotros, los sufridos habitantes nos queda curar heridas, dar puntos de sutura, y ejercitar y lustrar los músculos para que luzca divina y exultante, sin estar muy seguros de qué otra cosa podamos hacer.

Obras que nunca acaban, van dejando paso a transformaciones urbanísticas tipo el Bilbao del Guggenheim, o la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Lugares hasta entonces inciertos, definidos vagamente por su equidistancia a Madrid o Barcelona, resurgen de la mano de nuevos iconos arquitectónicos con nombre propio, como León con el Musac, el Museo de Arte Contemporáneo. Todo en aras de la más rabiosa modernidad, aunque no se sepa ni importe, como se superará el test de dentro de cien años…

Tras años de opresión centralista, con la democracia se reivindicó una identidad local. Las autoridades autonómicas y municipales reinvirtieron sobre todo en obra pública, muchos de los fondos provenientes de la Unión Europea (casi mil millones de Euros, más que cualquier otro estado miembro). Metros con “fosteritos”, estaciones de tren de alta velocidad con invernaderos incorporados, nuevos palacios de congresos y exposiciones con forma de ojo... Todo era “cutting edge” y desataba debate público. Se regeneraba suelo, se atraían inversiones y turismo, y sobre todo, se construía una marca diferenciada, apoyada en firmas de arquitectos reconocidos internacionalmente como los foráneos Jean Nouvel, Richard Rogers, y los autóctonos Rafael Moneo o Eduardo Arroyo. Como afirma Rem Koolhaas, el arquitecto y pensador holandés, que a su vez, está construyendo en suelo patrio el Centro de Congresos de Córdoba: “la arquitectura hecha por un arquitecto famoso hoy en día, es una verdadera atracción turística, y este valor propagandístico convierte al edificio en icono”.

Gurús del marketing y la publicidad lo testifican, vivimos una época donde la imagen vende. Del ostracismo franquista a la era del color. Los logos de Miró en los aviones de Iberia, la Expo de Sevilla, la mascota Kobi y las Olimpiadas del 92, demostraron al mundo y a nosotros mismos que éramos un país que tenía todo el derecho de estar en Europa.
Para el publicista Wally Olins, especializado en marcas nacionales, España gracias a la apropiación de lo nuevo, y a su incorporación mediante iniciativas privadas y públicas en el día a día, ha conseguido dejar atrás su pasado franquista y convertirse en una nación moderna. Para esto la arquitectura resulta una gran baza, y los arquitectos de renombre, algo crucial.

Frank Gehry, Norman Foster, o Santiago Calatrava trabajan en España no tanto por el interés de ver su obra iconizada, como si de un objeto turístico se tratase, si no porque trabajar en estos proyectos tiene glamour. Se les trata como a verdaderas ¨celebrities”, el presidente de la Junta en cuestión, cena y se fotografía con ellos, y lo mejor de todo: trabajan con absoluta libertad con verdaderos profesionales (los equipos de arquitectos españoles que se adhieren a estos proyectos son reconocidos por su sobrada preparación en ingeniería si los comparamos con los de formación anglosajona, que tienden a estar formados en bellas artes). En definitiva, quien más y quien menos tiene su ego y bolsillos muy satisfechos, y esto hace que ¡tener proyectos en España sea lo más!

Con el apoyo de las administraciones regionales y locales, ansiosas de edificios emblemáticos que distingan Zaragoza de Vitoria, se atrae al turismo interno, y sobre todo al extranjero, el objetivo “number one”.

Año a año surgen edificios espectaculares. Algunos, aparecen ante nosotros, remodelados, como El Mercado de Santa Caterina, tras lustros de invisibilidad, y otros se erigen de la nada como La Torre Agbar, ambos en Barcelona, hasta que resulta imposible seguirles la pista, estar al día y cerciorarse de los nuevos cielos urbanos. Eso que se suele llamar “skyline”… España es para muchos extranjeros, un sueño creativo, y para el resto, una molestia que no sabemos si evitar, mientras indecisos tanteamos el llamado turismo cultural que tanto persiguen nuestros dignatarios para superar el marchito sol y playa.

En crisis de representatividad
De las tres eses: sexo, sol y sangría, a la España de los hoteles boutique y la museología. Nuestro país quiere ser otro. Se sueña culto, y lucha por que se le vea de tal manera pese a que no todos lo hagan.

Según el índice Anholt, que mide cómo un país ve al resto, en base a categorías como gente; cultura y patrimonio; inversión e inmigración; gobierno; exportaciones y turismo, España es un país que ocupa el lugar número doce, después de Gran Bretaña, Italia, Alemania, Francia, y EEUU, entre otros. Es decir, es un país que se ve, peo no tan bien como nos gustaría.

España tuvo su momento allá por el 90-92. Existía un interés mediático por un país relativamente desconocido que se modernizaba, y al que le ayudaron los fastos tipo Expo, pero con el tiempo lo español se fue invisibilizando. La normalización de los índices forzada por las medidas de armonización europea, y la reiteración de nuestros “problemas” tan comunes en Occidente: paro, terrorismo, o inmigración nos ha hecho menos éxóticos, y más parecidos al resto, y eso no vende tanto. Los diarios ¨The Daily Telegraph` y El `Times` por ejemplo, anunciaron el mes pasado el cierre de sus corresponsalías en España, porque las noticias generadas desde aquí ya no parecen interesar allí.

Y es que construir una marca positiva cuando se trata de naciones, no es tarea fácil. La marca España aún puede evocar cierta complejidad para el europeo cultivado, pero es relativamente simple para la mayoría, si es que evoca algo. De hecho, nuestros actores más exportados son intercambiados por mexicanos sin que nadie se rasgue las vestiduras. Haz la prueba. Pregúntale a algún amigo tuyo americano por ejemplo, al ser posible que no viva en España, si distingue a Salma Hayek de Penélope Cruz, quienes para empeorar las cosas trabajan en las mismas películas, usan similares estilistas y aparecen disfrazadas de amigas en el papel “couché”…!

En definitiva, estamos ante una crisis de representatividad. Ni siquiera hemos tenido nominación alguna para esta edición de los Oscars, bueno, Alberto Iglesias aspira a la mejor música original, ¡pero lo hace por una película extranjera!

Está claro que el turismo necesita emblemas publicitados gracias a eventos con alto poder de convocatoria, pero esta tarea es muy competitiva. Las exposiciones universales se suceden, las olimpiadas, los mundiales, las capitales de la cultura, lo mismo, y esto acrecienta su devaluación. En nuestro suelo tenemos por citar lo de mayor renombre: la Exposición universal de Zaragoza para el año 2008, la Copa de América en Valencia para el 2007, y este mismo año 2006, el V centenario del nacimiento de Francisco de Javier de Navarra. Acontecimientos variopintos, y sin nada en común excepto la capacidad de tematizar los destinos que representan, y procurar una visibilidad que los diferencie del resto y los haga la opción de muchos.

Una exposición con vocación de escaparate
La exposición sobre Arquitectura en España que organiza el Museo de Arte Moderno de Nueva York, del 12 de Febrero al 1 de Mayo, es un mecanismo de construcción de visibilidad como hace tiempo no hemos tenido. Ubicada en la meca del arte contemporáneo mundial: Nueva York, e inaugurada por los Reyes de España desplazados hasta allí para la ocasión, lleva llenando páginas y páginas de los principales medios nacionales, e internacionales, meses antes a su inauguración. Dá igual si no trata de una muestra de estilo arquitectónico contemporáneo español, que probablemente no existe (la muestra contiene una mezcla de arquitectos españoles, un 70%, y extranjeros, un 30% ).

Al poner el territorio español como escaparate de lo mejor de la arquitectura internacional de principios del siglo XXI, lo español escondido entre el “latin mix” se visibiliza, y como Teruel, reivindica su existencia.

Curiosamente, la historia del nacimiento de esta oportunidad publicitaria, parece casual. Se cuenta que el comisario de la exposición Terence Riley, buen conocedor de nuestro país, (formó parte del jurado para la ampliación del museo Reina Sofía), decidió montar una muestra sobre obras en España antes de dejar el departamento de arquitectura del MoMA tras 13 años de gestión, porque se dió cuenta de que muchas de las obras de arquitectura pública del siglo XXI, se encontraban en suelo patrio, lo cual demuestra el carácter recopilador de la muestra.

La exposición retrata como si de una cámara fotográfica se tratase, muestras de la mejor arquitectura de hoy, que en gran medida están aún sin terminar. En total, se incluyen 18 obras completas, ilustradas a través de las fotografías de Roland Halbe, y 35 en proyecto (aunque terminadas en un máximo de dos años) y representadas por maquetas. Esto, a su vez refrenda el carácter de España como una geografía en “construcción”.

Habrá quien seguirá considerando que con este tipo de ejercicio, España se parque-tematiza aún más. Para el arquitecto Josep María Montaner: ”las ciudades españolas son ya una proyección de aquello que el turista desea sin necesidad de entender, ya se trate de bacanal, o casco antiguo museificado”. Sin embargo, tal vez sea éste un precio necesario. La geografía globalizada depende crecientemente de una identificación que permita escoger un territorio sobre otro, lo que al fin y al cabo genera puestos de trabajo, y bonanza económica.

La posible tematización de España como un entorno donde ver la mejor arquitectura internacional, sugerida por la exposición del MoMA, puede resultar algo positivo. Iconizar un país ayuda a entenderlo mejor. Si podemos llegar a decir a un extranjero que somos por ejemplo “de Baracaldo, ese sitio famoso por su estadio”, en lugar de tener que decir “del Norte de España”, estaremos ante un mapa más complejo de lo que somos.

Como el que al saber de Google Earth, no se conforma con ver la Tierra, ni su país, región, ciudad o pueblo, y se pone nervioso ante la posibilidad de ver algo inesperado en el interior de su propia casa, lo cual es imposible, la cuestión en este debate debería ser: ¿se nos ve? y si así no fuera, ¿qué habría que hacer para que sucediera? Algo a lo que la exposición del MoMA puede contribuir en gran medida.
La exposición del MoMA funciona como el folleto turístico de un extraño parque temático donde un día cercano, se hallará lo mejor de la arquitectura internacional de
principios del siglo XXI. Para verla se ha de viajar a un sitio que hoy se llama España. Y que como por exigencia de la constitución española, incluye proyectos de cada comunidad autónoma.